Cine recomendado en cartelera argentina 25-4-2011

Actualizo 27-4-2011:

Revolución. El cruce de Los Andes
Leandro Ipiña
2010 Argentina
92' drama, histórica, épica
35mm, color, 1.85:1
***** *
http://revolucionpelicula.com/






Una grata sorpresa del cine argentino.
Ojalá sea el puntapié inicial de un cine de visita crítica a nuestra historia, a las vidas de nuestros héroes, a nuestras luchas de liberación y nuestras guerras.
Lo más destacable de la película es la interpretación del General José de San Martín en el cuerpo de Rodrigo de La Serna (Diarios de motocicleta, serie de TV Okupas) y los climas que su figura genera. Hay un realismo que me recordó mucho a Che: Guerrilla de Steven Soderbergh, hay un héroe humano cuyos momentos de poder están muy bien logrados tanto en la actuación como en lo cinematográfico. Éste para mí es el corazón del film, es lo que no podía fallar de ninguna manera, y no lo hace, sino que al contrario la eleva por sobre su antecesora El Santo de la Espada de Leopoldo Torre Nilson.
No hay afán efectista en las batallas sino una subjetividad comprometida en esa "mierda" que es la guerra. Está muy bien coreografiada, filmada, editada y actuada la escena donde el mismo San Martín actúa como soldado, es uno de los puntos altos del film.
La batalla de Chacabuco fue recreada en un estilo que se agradece más cercano al de La delgada línea roja de Terence Malik que a lo que uno esperaría si fuera pochoclero fan de Corazón valiente. Vemos la guerra desde dos subjetividades, como si Ipiña nos invitase a meternos de lleno en la batalla y no simplemente mirarla desde arriba o desde un punto de vista no-humano.
Me asombraron gratamente las vestimentas, un notable trabajo de adaptación histórica, o al menos parecen muy verosímiles.
Un capítulo aparte es la fotografía. Hay escenas con muy poca luz, luz de velas, que nos remiten a esa época, hasta pensé si Ipiña decidió, como Stanley Kubrick en Barry Lyndon, filmarlas sin luz eléctrica. Lo cierto es que se logra, junto con la selección de las locaciones, los decorados, los paisajes, transportarnos sin fisuras a ese pasado heroico y lleno de oscuridades.
Recomiendo fervorosamente que la vayan a ver en cine. Los Andes, además, aparecen como lo que son, el protagonista inabarcable de escala suprahumana... El plano de San Martín acuclillándose sobre una roca ante la imponente cordillera nocturna, cual cóndor agazapándose esperando su oportunidad para atacar, vale la pena.

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Ajami
Yaron Shani, Scandar Copti
2009 Israel, Palestina, Alemania
120'
35 mm color
policial acción
***** *



Ajami es un barrio humilde de Yafo (Jaffa), la mitad sur mayoritariamente árabe y palestina, de Tel Aviv, ex capital de Israel. Allí, dos directores noveles israelíes, el judío Yaron Shani, y el palestino Scandar Copti hicieron mucho más que las paces para realizar algo bastante más difícil: un largometraje cinematográfico.
Ajami, el film, es intenso, veloz, contundente, y por su hechura nos advierte que estamos ante dos nuevos cineastas a los que habrá que seguir en adelante. Lo lamentable es que toma demasiados tics de producciones anteriores, como la Gomorra de Matteo Garrone (2008), la Ciudad de Dios de Fernando Meirelles y Kátia Lund (2002), y una aspiración peligrosamente cercana a la Babel de Alejandro González Iñárritu (2006).
Como es de esperar, Ajami señala víctimas y victimarios en las 3 culturas predominantes en esa franja de la discordia que es Palestina-Israel, que son la cristiana, la judía y la palestina. Sin embargo, descubrimos que la equidistancia no es tal cuando recordamos el origen de su tragedia, lo que se dice el "disparador del conflicto, del drama": retengan al culpable de encender la primera llama (disparar la primera bala, debemos decir en esa región tan cara a los fierros), señalado en un guión escrito por ambos directores.
También puede verse Ajami como una interesantísima aproximación a los conflictos ya no geopolíticos sino sociales de una ciudad contemporánea situada en una zona de guerra, y con ella concluir que para las miserias del capitalismo reinante no hay guerra que sirva de antídoto. La danza que Yaron Shani y Scandar Copti diseñan entre palestinos trabajadores ilegales, policías judíos enardecidos, drug dealers y padrinos mafiosos, se entremezcla con una historia de amor a lo Romeo y Julieta, y nos deja claro que el gran jefe del mal sigue siendo el fucking dinero.
19-4-2010

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El Cisne Negro
Darren Aronofsky
2010 USA
108' drama
35mm, color, 2.35 : 1
Black swan
***** *
http://www.imdb.com/title/tt0947798/

El mundo del ballet y sus consabidas miserias.
Aunque la historia es completamente predecible, el filme tiene una belleza cinematográfica que obliga a verla en el cine. Imagen, sonido y movimiento acompañan a la bailarina protagonista de manera persecutoria, al modo de El luchador (2008). De hecho, ambas parecen mellizas, aunque la deriva del personaje perdedor de Mickey Rourke resulta más emotiva e intimista.
El gran acierto de Cisne Negro radica en Natalie Portman y el propio director, quien muestra una sensibilidad punzante para recrear mundos tan disímiles como el de los luchadores anabólicos y las bailarinas anoréxicas. Pero en este caso esa cámara persecutora resulta indispensable para seguir a la bailarina, el Cisne Blanco, con un vértigo cercano al que sufre quien baila, uno pensaría. Creo que es el mayor logro del filme.
Presten especial atención a los sonidos, a la respiración de Natalie...

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127 horas
Danny Boyle
2010 USA, UK
94' drama, aventura
35mm, color, 1.85 : 1
127 hours
***** *
http://www.imdb.com/title/tt1542344/

Una historia real simple y terrible.
Es asombroso lo que Boyle hizo con ella en más de 90 minutos. Todos sabemos lo que sucederá, porque los genios de los Oscars no tuvieron mejor idea que revelar el clímax de la película.
eso no le quita mérito y la sensación igual choca.
Paisajes increíbles, música excelente, bella fotografía a lo Boyle (Exterminio, Trainspotting, La playa, ¿Quién quiere ser millonario?), y otra interesante apuesta al cine subjetivo, donde la cámara no es Dios omnisciente, sino compañera del personaje. ¿Una tendencia?
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Cosecha BAFICI 2011, V, la cima

Y finalmente llegué a la cumbre de la 13ª edición del BAFICI, acompañado por 13 asesinos...

Takashi Miike
13 Assassins
(13 Asesinos)
2010 Japón, UK
121' (BAFICI) / 126' (longitud internacional) / 141' acción, aventura, historia, drama
35mm / DCP, color, 2.35:1
Jûsan-nin no shikaku / Thirteen Assassins
***** ***
http://www.13assassins.com/





¿Qué estilo y qué "género" cinematográficos no exploró Takashi Miike?
Recordemos Audition, Ichi The Killer, las Dead or Alive, A Big Bang love: Juvenilla, la delirante y paupérrima Andromedia, podemos confiar en que Takashi siempre nos sorprenderá.
Aquí entra de lleno al género samurai, con una fineza y precisión admirables. Con un planteo clásico del cine de acción marcial japonés, llamativamente similar a la de varios westerns norteamericanos, Miike realiza una película cargada en detalles y exquisitas actuaciones.
Hay que matar al tirano sádico y un experimentado y maduro samurai es contratado para hacerlo. Tan sólo la escena en la que éste acepta el encargo vale por toda la película. Miike describe magistralmente la psicología de esos mercenarios invencibles con simples trazos, y avanza directo al objetivo con una batalla final de magnitudes y desarrollo pocas veces visto en el cine.
Vale por supuesto la referencia inevitable a Los siete samurais (1954) del enorme Akira Kurosawa, y del poco conocido Harakiri (1962), de Masaki Kobayashi, donde la batalla final entre el protagonista y decenas de soldados dura más de 15 minutos... Ring ring para Quentin Tarantino: sabemos de dónde tomaste la batalla de BIIIIIII Kiddo contra los Locos 88 de tu magnífica Kill Bill. Vol. 1.

Aquí las referencia:

Masaki Kobayashi
Harakiri
1962 Japón
133' drama, acción
35mm, byn, 2.35:1
Seppuku
***** ***





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Jerzy Skolimowski
Essential killing
(Asesinato esencial)
2010 Polonia, Noruega, Irlanda, Hungría
83' bélica, suspenso
35mm / DCP, color, 2.35;1
***** ***
http://www.essentialkilling.com/






Este puede parecer sólo un film de "corre como loco por tu vida".
Pero también es un film donde podemos ver al hombre reducido a un estado prehistórico por la maquinaria bélica, la tortura y los militares yanquis y sus siervos aliados. Es que Vincent Gallo, el hombre, podría ser cualquiera de nosotros en la lógica del Nuevo Orden Mundial. Ese protagonista anónimo, antihéroe del film, ¿es talibán, tenía familia y se la mató la invasión yanqui en Afganistán? Como lo presenta Skolimowski, es sólo un hombre que perdió todo, que huye del imperio, de sus mercenarios, de sus helicópteros, de sus perros; que es torturado por el imperio, que es interrogado por el imperio ("¡En inglés!", le exige el gorila oficial).
Magnífica actuación de Gallo, y no diré más, salvo que es un film de pocas palabras, cine puro.
Impresionante fotografía, cámara precisa para acompañar y meterse en la mente del fugitivo.

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Kim Sun
Self referential traverse: Zeitgeist and engagement
(Cruce autorreferencial: Zeitgeist y compromiso)
2011 Corea del Sur
73' experimental, política, comedia, stopmotion, animación
Digibeta, color
Jagadangchak: Shidaejungshinkwa Hyunsilchamyeo
***** **


Deformidad absoluta, pesadilla enfermiza, ácido sulfúrico sobre la política coreana, una suerte de Capusotto oriental extremado, corrosivo y delirante, con debut protagónico del... muñeco Podori, en el rol de policía coreano con madre fanática religiosa y exigente, y con padre ausente, traumado por haber sido pateado en una manifestación popular, invadido por ratas comunistas, obsesionado por construirse un par de piernas y de paso algo más, enamorado de una vecinita humana... un cóctel que estalla más allá de nuestra imaginación, como suele suceder en la fructífera imaginación coreana, bienvenida sea.
¿Por qué la elegí? Porque su director Kim Sun realizó Geo-Lobotomy (2005), junto a su mellizo Kim Gok, una de las películas más extrañas que vi. Aquí la referencia:

Kim Gok, Kim Sun
Geo-Lobotomy
2005 Corea del Sur
100' ciencia-ficción, comedia, terror, suspenso
Noejeolgaesul
***** *

Cosecha BAFICI 2011, IV

Thomas Cappelen Malling
Norwegian Ninja
(Ninja Noruego)
2010 Noruega
77' comedia, acción, política
35mm, color, 2.35:1
Kommandør Treholt & ninjatroppen
***** *





Delirante parodia de la Guerra Fría en clave de ¡humor noruego!
Un selecto grupo secreto de ninjas están encargados de proteger a Noruega del comunismo soviético, bajo el mando del mismísimo rey. Luego de inspeccionar decenas de fiordos descubren que los submarinos soviéticos no existen, y peor, que otra organización secreta llamada Stay Behind produce atentados terroristas para achacárselos a los rusos y así mantener atemorizadas y dominadas a las "masas ignorantes", y dirigir su voto hacia las fuerzas conservadoras pro-yanquis. ¿Suena conocido?
Pues, no es coincidencia que el jefe de los ninjas noruegos se llame Arne Treholt, igual que un político y diplomático noruego acusado de alta traición en 1984 por supuestamente hacer espionaje en favor de la Unión Soviética.
Tampoco resulta coincidencia que Stay-Behind sea una operación permanente de la OTAN y la CIA real, creada básicamente para prevenir un avance soviético sobre Europa Occidental, pero que luego de la caída del Muro de Berlín en 1989 siguió actuando generando atentados terroristas para evitar que partidos de izquierda o anti-yanquis llegasen al poder, como el caso del Partido Comunista Italiano en 1990. Algunos links sobre estos operativos de injerencia imperialista en Europa (¡y en Venezuela!) son éstos:
http://www.voltairenet.org/article120005.html
http://www.soberania.org/Articulos/articulo_015.htm




Así que, mucha risa, mucha parodia, pero Mailing nos la manda a guardar afirmando que "Sí, la película está basada en hechos reales, sólo que le agregamos unos ninjas"... El humor noruego se presenta.
¡Ah, y prepárense a ver efectos especiales y navecitas al estilo Capitán Escarlata o Team America: World Police!

Cosecha BAFICI 2011, III

Thomas Imbach
Day is done
(El día terminó)
2011 Suiza
111' cine de ensayo, experimental, intimista (de ningún modo es un "documental" como hoy afirma IMDB)
35mm, color, 2.35:1
***** ***
http://www.bachim-film.ch/bachimfilm/index.html

La cámara mira al exterior desde una ventana, su dueño cambia el ángulo y sigue filmando, el paisaje cambia, pasa el día, pasa la noche, pasan los días, las nubes, y como fondo, se oyen los mensajes que dejan las personas en el contestador... de Thomas, el director, el que filma. La trama es la vida misma, y saber luego que este proceso llevó 17 años de la vida de Imbach conmueve más aún. Suceden las tormentas, la nieve, las lluvias, los soles, los humos de la fábrica, los trabajadores de enfrente, el hijo por nacer, las amantes, la madre, el padre, la muerte del padre, el hijo que crece... la chica del correo, ¿una posible historia de amor?... Con imágenes de una belleza inmensa, una belleza mixta, urbana y natural, la que se puede ver desde tu ventana al mundo, Imbach construye un film original, una especie de Koyaanisqatsi íntimo. Tienta conectar los mensajes con el paisaje, y le damos sentido al todo, a la vida del cineasta.
Gran acierto el haberla filmado en 35mm y en 2.35:1, imperdible proyección en el cine.

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David O'Reilly
C: The External World
2011 Alemania, Irlanda
17' animación
HD, color
***** ***

The External World TRAILER from David OReilly on Vimeo.

Un delirio absoluto, un humor corrosivo e imparable... ¡quiero máááássss!
Pero así es David O'Reilly, como podemos ver a continuación:

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David O'Reilly
C: Please say something
2009 Alemania, Irlanda
10' animación
HD, color
***** **

おねがい なにかいって [日本語版] from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: ?????
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** **

????? from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: RGB XYZ
2008 Alemania, Irlanda
13' animación
HD, color
***** *

RGB XYZ - Part 1 from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: Octocat adventures
2008 Alemania, Irlanda
5' animación
HD, color
***** *

Octocat Adventures (HD) from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: Wofl 2106
2006 Alemania, Irlanda
4' animación
HD, color
***** *

WOFL 2106 (HD) from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: When you're smiling...
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** *

When You're Smiling... from David OReilly on Vimeo.

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David O'Reilly
C: Black Lake
2010 Alemania, Irlanda
3' animación
HD, color
***** *

Black Lake from David OReilly on Vimeo.

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Jean-Luc Godard
Détective
(Detective)
1985 Francia, Suiza
95' comedia godardiana
35mm, color, 1.33:1
***** *




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Jean-Luc Godard
Yo te saludo, María
1985 Francia, Suiza, UK
72' drama
35mm, color, 1.33:1
Je vous salue, Marie / Hail Mary
***** *

Anne-Marie Miéville
El libro de María
1984 Francia, Suiza
27' drama
35mm, color, 1.33:1
Le livre de Marie / The Book of Mary
***** *

Recuerdo cuando allá por 1985 hubo tremendo revuelo por el estreno de Yo te saludo, María, generado por la iglesia católica y los componentes más reaccionarios de la sociedad porteña. Por fin pude verla en el BAFICI, y comprobé lo que la reseña del festival señala: se trata de la manera en que un reconocido intelectual de izquierda como Godard interpreta el mito de la Virgen María y nacimiento del Niño Jesús.
¿Cómo sería hoy la eventual aparición de un niño Dios en el vientre de una virgen adolescente?, parece preguntarse el director, y logra un film con la marca indeleble de su poética inevitablemente cruzada por la vida urbana, sus ruidos y neones, sus angustias y rutinas, casi 2.000 años después de sucedido el hecho religioso y sin hacer referencia a él. Pero al mismo tiempo nos muestra cómo sería ante nuestros ojos si las relaciones amorosas sexuales entre jóvenes quinceañeras y hombres adultos fueran lo más natural, así como lo eran en la Judea del año cero de la cristiandad.
Una exploración ¿ucrónica? muy interesante, que se potencia con el corto de su colaboradora y pareja Anne-Marie Miéville, una clara precuela, en la que brilla la niña debutante Rebecca Hampton como la Marie que supuestamente pocos años después recibiría en su vientre virgen al hijo de "Dios".

Sion Sono, nueva joya del cine japonés

Ayer vi ¡¡¡la mejor película del BAFICI 2011, por fin, y por ahora!!!

Se trata de Cold fish, del japonés Sion Sono, la que recomiendo fervientemente.
¿Cómo tuve semejente acierto?
Leyendo el catálogo del BAFICI, donde descubrí que Sion Sono es el máximo responsable de la disparatada, divergente, demente, inabarcable Love exposure, vista en el BAFICI 2009. También dirigió Suicide Club (2001), que hace años pasan por ISAT, de vuelo un poco más rasante y mayor renombre.

Presento aquí las dos obras magnas de Sion (Shion) Sono que he conocido:

Sion Sono (Shion Sono)
Cold fish
(Pescado frío)
2010 Japón
150' drama, suspenso
Tsumetai nettaigyo
***** ***



Otra vez, Sono comienza con el drama de una familia disfuncional para iniciar una espiral imparable cargada de tensión, con personajes perfectamente diseñados e interpretados magistralmente.
Tal como Takashi Miike lo demuestra, hay cineastas japoneses en permanente cambio. En esta ocasión, Sono elige una narrativa mucho más directa y seca que en su alucinante Love exposure. Veía Cold fish ayer y no podía dejar de remitirla al cinismo de Gaspar Noé de Solo contra todos e Irreversible, no por su estética sino por una narración a velocidad de crucero, constante y alta. También imaginaba que Tarantino se sentiría cómodo charlando algún proyecto conjunto con este director nacido en 1961 y con 19 films en su carrera, con el que comparten evidentemente una visión bastante similar sobre el bien y el mal, y la ironía con la que se los puede corroer, mezclar y dar de nuevo.
Otra muestra más de un cine japonés libre, extremo y vivaz.

Me asombró el contraste con la Eros + Massacre, considerada obra cumbre de
Yoshishige Yoshida, de 1969, y que pude ver anteayer dentro del mismo BAFICI. Son como las antípodas de un cine que hoy está mucho más desatado... ¿gracias al emperador?
Mientras la peli de Yoshida es un largo devenir de planos bellísimos muy al estilo Antonioni (que se agradecen inmensamente), se estanca en una dramaturgia demasiado grandilocuente, reiterativa, hasta pueril, que se comprende en parte por una adscripción fiel a la censura de su tiempo. ¿Cómo se concibe que un film que hable del eros apenas tenga unas escenas pocas eróticas bastante mojigatas?
Sion Sono responde al mundo actual, con un film ciudado fotográficamente pero sin una estética personal marcada, y con una libertad expresiva y una vorágine dramática que se ahorra las grandes reflexiones y las demoras contemplativas, con una ironía y un cinismo corrosivos que atacan la matriz de la sociedad impiadosamente: la familia. Y nos deja, tal vez, una posible moraleja contundente: no es tan bueno ser un pescado frío.
El cine japonés debió esperar a los 70s para que las pulsiones más viscerales surjan con menos acartonamiento en las pantallas, desde entonces nos ha sorprendido con una libertad expresiva y revulsiva mucho mayor que la de nuestro imperio democrático hollywoodense.

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Sion Sono (Shion Sono)
Love exposure
2008 Japón
237' drama, comedia, acción, fantasía
HD, color, 1.78 : 1
Ai no mukidashi
***** **





Agradezco que sigan existiendo cineastas que van por todo.
Sion Sono parte de un melodrama familiar para desembocar en una vorágine de acción con foco en una supeheroína "real" japonesa y su padre convertido en fanático cristiano cruzado contra el pecado, mezclando bandas de adolescentes que disparan bajo las faldas de las colegialas con sus cámaras digitales, guiados por un viejo degenerado, romance adolescente... 4 horas que pasan a la velocidad de la lluz, de un cine nuevo, libre, casi sin límites, desbordante, con un humor corrosivo y una creatividad totalmente delirante.
Vaya esta crónica de alguien que escribe mejor que yo: http://paginasdeldiariodesatan.blogspot.com/2009/04/bafici-2009-love-exposure-de-sono-sion.html

Cosecha BAFICI 2011, II

Michael Henry
Blame
(Culpa)
2010 Australia
89' suspenso
35mm, color, 2.35 : 1
***** *

Una de suspenso con todas las de la ley, pero afortunadamente australiana, aunque su productor declarara que es un film universal.
Para aquellos que amamos la sequedad de esas joyitas del cine australiano, Culpa no es una thriller más, es un thriller que avanza plano a plano sin paz, sin concesiones, sin decaer en puerilidades.

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Kitao Sakurai
Aardvark
(Oso hormiguero)
2010 USA, Argentina
80' drama, suspenso
HD, color, 2.35 : 1
***** *

Aardvark Trailer from Naked Faces on Vimeo.

Larry es ciego. Sakurai comienza presentándolo con un sobrio estilo documental. Pero enseguida entramos en la vida de Larry. Lo vemos interesarse por los gritos de una clase de jiu-jitsu y el maestro lo convence de probar el arte marcial.
Enseguida vemos a nuestro amigo no-vidente practicando, aprendiendo y haciendo nuevas amistades. De esto se trata Oso hormiguero, de la amistad. Obviamente, las cosas se complican y Larry se mete en una aventura que Sakurai narra con sencillez y maestría, muy al estilo de El luchador de Darren Aranofsky, acompañando con humildad a su héroe real, pegándosele a su espalda, cercano y respetuoso.
Anotemos a este novel director, Kitao Sakurai, que hace una película con amigos sin perder sensibilidad ni profesionalismo.
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F.J. Ossang
Dharma Guns
2010 Francia
93' suspenso, surrealismo, cinecia-ficción
35mm, color + ByN
***** *



¿Qué sucede después de morir?
Ossang responde con su poética visual impactante, de un estilizado blanco y negro, con un nivel de delirio controladísimo, y un ambiente que recuerda mucho al Alphaville de Jean-Luc Godard.

Cosecha BAFICI 2011, I

Werner Herzog
(D) Cave of forgotten dreams
2010 Canadá, USA, Francia, Alemania, UK
90' documental paleontología
1.85 : 1 , color, HD 3D
La cueva de los sueños olvidados
***** ***
Apabullante visita a una caverna prehistórica, gracias al uso del 3D.
El cine tiene una buena nueva que celebrar: uno de sus grandes artistas ha tomado la herramienta del 3D para conmover multitudes en las salas llenas.
Así ocurrió en el estreno argentino de Cave of forgotten dreams dentro del BAFICI, donde decenas de colados pasaron con sus credenciales privilegiadas ante los centenares que hacíamos fila desde una hora antes.
Apabullante "volver" a esa cueva, donde Herzog arroja una teoría que deberíamos considerar: esas pinturas de rinocerontes, caballos, bisontes, de trazos sorprendentemente figurativos, cuya autenticidad se piensa demostrada, asombran por su estilo personal y figurativo... de un artista de hace 32 mil años, son obras de una entidad que nos une a todos los humanos a través del tiempo: el espíritu humano.
Es que Herzog nos lleva a ese pasado remoto con el 3D crudo e hiperrealista de su documental.
Puede que se repita un poco en su embelezamiento con las pinturas del ignoto artista prehistórico, ¿qué, nosotros no si estuviéramos allí? Escuché al pasar al ¡consagrado! crítico Quintín que le "hincharon las pelotas tantas imágenes de la cueva"... Agradezco a los espíritus de nuestros antepasados prehistóricos no haber permitido que haya sido un Quintín quien haya obtenido el permiso de filmar en esa cueva del origen de la humanidad, luego de largas tratativas, con restricciones temporales y espaciales draconianas, pudiendo permanecer allí dentro sólo una hora y luego sólo 4, utilizando un equipo de menor calidad que el requerido, expuesto a gases tóxicos, trabajando con equipo de sólo 4 personas para todos los aspectos que el cine exige... Es que esas misiones extremas sólo pueden estar a cargo de espíritus infinitamente más eleveados que el de un burguesito porteño.

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Émilie Jouvet, Wendy Delorme
(D) Too Much Pussy! Feminist Sluts, a Queer X Show
2010 Francia, Alemania
80' documental, aventuras, comedia teatral, erotismo explícito, porno-arte
Demasiada concha!
***** *
Vaya esta homenaje al grupo de teatro independiente de 5 chicas que gastan las rutas de Estados Unidos y Europa para presentar sus shows teatrales cómicos performáticos sexuales pornográficos feministas musicales en bares, teatritos under y tugurios no siempre bien dispuestos a recibirlas.
Sus performances escénicas me recordaron mucho a las locuras de Batato Barea, Urdapilleta y Tortonese en los lejanos 80s de esta Buenos Aires. Pero aquí, estas encantadoras Feminist Sluts actúan, viven y hacen un acto político de su vida sexual, sin la coerción comercial de la sociedad machista. Su combi las lleva a San Francisco, París, Copenhague, y es una especie de expreso del amor lésbico, comediantes sexuales libres itinerantes del siglo XXI que bregan con humor y alegría por una sexualidad más amplia y tolerante.
Mucho de amateur en la cámara y en las tablas, pero mucho ovario también. Un objetivo: que la concha no sea más un tabú, que cualquiera pueda amar/tener-sexo con quien desee y lo acepte sin los límites de la moralina hipócrita.

ADVERTENCIA: LOS SIGUIENTES VIDEOS SON APTOS SÓLO PARA PÚBLICO ADULTO


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"Gantz" live action

Por estos días me enteré de la versión live action de Gantz fue estrenada en Japón el pasado 29 de enero.
Gantz es tal vez mi serie de animé favorita máxima, lo más extremo y atrapante que he conocido hasta ahora de ese género que me ha fascinado con series como Evangelion, Cowboy Bebop, Wolf's Rain, y largos como los de Hayao Miyazaki, Katsushiro Ôtomo, Mamoru Oshii, Satoshi Kon.

Dirigida por Shinsuke Sato, tiene fecha de realización 2011. Su site en IMDB es éste.
También se anuncia una secuela para abril de 2011, Gantz: Perfect Answer.

El sitio oficial de la saga fílmica con personas reales es éste: http://gantz-movie.com/index.html

Comparto mi expectativa y mi alegría, esperando sin demasiada esperanza que pronto sea estrenada en los cines argentinos.



Sepan disculpar que elija trailers con la parafernalia promocional japonesa, pero me encanta.















¿A dónde van los que mueren?
¿Qué es Gantz?
¿Qué pretende Gantz de quienes mueren?

A continuación algunas escenas del animé original, a su vez basado en un nutrido inacabable manga de Hiroya Oku:

Gantz (TVS, 26 episodios)
Ichirô Itano2004/¿? Japón
animé ciencia-ficción, terror, drama, romance, acción, suspenso, surrealismo
***** ***