Giorgos Lanthimos
Dogtooth
2009 Grecia
94' drama
35mm, color, 2.35 : 1
Kynodontas / Colmillo / Canino
***** ***
Familia psicótica, sociedad del control, en la mirada de un cineasta con firmes convicciones estéticas, a seguir muy de cerca. La película más radical, bella y sólida que he visto de los herederos de Homero.
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Mark Hartley
D: Not quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation!
No como Hollywood: ¡La historia salvaje jamás contada de la ozplotación!
2008 Australia, USA
documental, cine
***** **
Recorrido alucinante por el cine de "ozplotation" australiano, infinitamente más imaginativo, audaz y sexómano que el cine bizarro yanqui. Se conoce como ozplotation al estilo que breva principalmente en la violencia, el horror, los litros de sangre artificial, la acción demencial y el sexo.
Aparecen Quentin Tarantino confesando su adoración de este macrogénero del cine, un demente y novel Dennis Hopper, y comentarios sobre las pocas de esas películas que pudimos ver por estas tierras, como Mad Max, Razorback (o El destructor, o Colmillos del infierno, esa del jabalí gigante devenido en amenaza imparable), Roadgames, y las grandiosas Walkabout (Nicolas Roeg, 1971, conocida aquí como Encuentro de dos mundos), Wake in Fright (de Ted Kotcheff, 1971, también conocida como Outback, que descubrí en mi lejana adolescencia ochentosa como Las vacaciones de John Grant en un canal de TV aérea).
Al ver el documental, uno comprende mucho mejor esa mirada cinematográfica retorcida de los australianos: es que están demasiado rodeados de desierto.
Sitio con todas las citas cinematográficas de este documental: http://en.wikipedia.org/wiki/Not_Quite_Hollywood:_The_Wild,_Untold_Story_of_Ozploitation!
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Andrew Dominik
El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford
2007 USA, Canadá
35mm, color, 2.35 : 1
160' western, drama, histórica
The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford
***** **
¿Puede ser un western una película delicada, poética, bella hasta conmover?
Ese parece ser el desafío que encara el neozelandés Andrew Dominik y felizmente logra pasarlo, con creces, gracias a una sensibilidad exquisita, que con prejuicios podría verse demasiado amanerada, y sin embargo nos sumerge con un realismo apabullante en una época lejana, tórrida, oscura, con una fotografía que remite a la de fines del siglo XIX, con actuaciones magistrales en todos sus caracteres, con un guión áspero como sus personajes.
Un western crepuscular, más humano que acrobático, más hondo que superficialmente violento, apartado de las moralejas, muy interesado en las miserias de sus protagonistas.
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Matthew Lessner
C: Darling darling
2005 USA
color, 1.85 : 1
13' comedia, surrealismo
***** **
Bienvenido el surrealismo aunque sea en el formato breve.
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Jim Jarmush
Ghost Dog. El camino del samurai
1999 Francia, Alemania, USA, Japón
116' acción, suspenso, drama
35mm, color, 1.85 : 1
Ghost Dog: The Way of the Samurai
***** *
Sabiduría samurai para un asesino de la mafia. Una rara joyita Jarmush incursionando de manera muy original, con una sensibilidad nueva, en un submundo que parecía dominio exclusivo de los genios de Francis Ford Coppola y Martin Scorsese.
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Brian Jun
Steel City
2006 USA
Super 16mm, 35mm, color, 1.78 : 1
95' drama
***** **
Realismo social estadounidense del bueno.
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Richard Linklater
Waking life
2001 USA
DV, 35mm, color, 1.85 : 1
99'/101' drama, animación, fantasía
Despertando a la vida
***** **
Pionera en un nuevo estilo de animación, perturbador y subyugante, y nada menos que para reflexionar sobre la materia de los sueños y el sentido de la vida.
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Jacob Cheung
Battle of Wits
2006 China, Japón
Super 35, 35mm, color, 2.35 : 1
133' épica, fantasía, acción
Mo Gong / Battle of the warriors / Bokkou
***** *
Una de las buenas superproducciones orientales con miles de extras movilizados, largas batallas maravillosamente coreografiadas, miles de espadas, flechas y masacrados por el mal de todos los tiempos: la guerra.
Lo interesante es que sus héroes guerrean para que no haya más guerra...
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Kelly Reichardt
Wendy and Lucy
2008 USA
Super 16, 35mm, color, 1.85 : 1
80' drama
***** ***
Mínima, encantadora, de una precisa y preciosa sensibilidad.
Una directora a seguir. Lamento no haber visto la muy bien recibida Meek's cutoff en el último BAFICI.
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Jonathan Parker, Manfred Baumann
(Untitled)
2009 USA
HD, 35mm, 2.35 : 1
96' comedia dramática, música, arte
***** *
¿Qué es arte y qué no?
Lo bueno de esta película es que no sabemos si nos están tomando el pelo, o si sus personajes viven en una sociedad tan adocenada por la opulencia que no saben qué inventar para vender "arte", o si reflexiona desde un lugar académico con un inteligente contexto dramático en tono de sutilísima comedia. Especialmente dedicada a aquéllos que alguna vez estudiaron historia del arte.
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Ina Weisse
The architect
2008 Alemania
35mm, color, 1.85 : 1
93' drama
Der architekt
***** *
Descomposición familiar sobre blanca nieve, filmada exquisitamente, gélida, inapelable.
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Aleksander Sokurov
El Sol
2004 Rusia, Italia, Suiza, Francia
35mm, color
110' histórica, biográfica
Solntse / The Sun
***** ***
La tercera de la trilogía sobre líderes políticos del siglo XX, tras Moloch (1999) y Taurus (2000), retratos de la decadencia de Hitler y Lenin, respectivamente. En El Sol, Sokurov nos muestra cómo se imagina la caída del Emperador Sol del Japón, Hiroito, rendido ante la barbarie yanqui en 1945. Sokurov vuelve a maravillarnos con una fotografía de calidad exquisita, creando climas poderosos y estremecedores, controlando cada detalle, cada sonido, cada porción de música, cada gesto con maestría apenas concebible. Confirma con su altísimo arte que cine no es lo que se ve en la pantalla de una computadora.
Sorprenden las aparentemente descolocadas intervenciones sonoras, como en todo su cine, pero más aquí, donde el personaje se presta a un estado mental alienado de la realidad, como el de un niño adulto que reina un imperio sobre el que cayeron dos bombas atómicas.
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Christian Alvart
Pandorum
2009 Alemania, UK
Super 35, 35mm, color, 2.35 : 1
108' ciencia-ficción, suspenso, terror, acción
*****
¿Qué tiene de nuevo una peli de ciencia-ficción y horror?
En primer lugar, que no es una producción del mainstream yanqui. Eso garantiza un guión bastante más perverso, sórdido y verosímil, sin tanto estereotipo remanido, con personajes más creíbles. En segundo lugar, un muy buen manejo del suspenso y la curva dramática con actuaciones y guión sólidos.
Y para terminar, un retorno modesto a esa sensación primigenia que Alien, el octavo pasajero nos anudó en el estómago, allá por 1980, de que el espacio puede ser un lugar bien jodido para visitar.
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Ryan Fleck
Half Nelson
2006 USA
Super 16, 35mm, color, 1.85 : 1
106' drama
***** **
Pocas veces los profesores son protagonistas de películas sin estereotipos predecibles. En este film, hay una mitad de Nelson que es profesor de historia con una visión revisionista, presentada con un recurso sencillo y contundente: la exposición de sus alumnos sobre temas como el asesinato de Martin Luther King, el golpe de estado de Pinochet a Salvador Allende. La otra mitad de Nelson está en decadencia, coquetea con una de sus alumnas, y establece relaciones fláccidas con los adultos. Y así el personaje se ve completo con una fluidez llamativa, demostrando una gran maestría en director y guionistas (el mismo Ryan Fleck, y Anna Boden).
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Leon Gast
D: Cuando éramos reyes
1996 USA
16mm, 35mm, 1.85 : 1
89' documental, histórica, deporte
When we were kings
***** **
Podés odiar el box y sin embargo apreciar este documental gigantesco sobre una época, unos héroes y antihéroes, una cultura, y un delirio millonario como fue la "Pelea del siglo" entre
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Shane Meadows
Somers Town
2008 UK
16mm, Super 8, blanco y negro, color, 1.85 : 1
71' drama
***** **
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Chris Lavis, Maciek SzczerbowskiC: Madame Tutli Putli
Digital stills, HD, 35mm
17' animación, surrealismo
***** ***
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Thomas Vinterberg
Dear Wendy
2004 Dinamarca, Francia
HD, 35mm, 1.66 : 1
105' drama, western
***** *
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S: Episodes Dir: James Griffiths
Cread: David Crane, Jeffrey Klarik
2011 USA, UK
color, 1.78 : 1
7 epis. de 30' comedia
***** **
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S: Dead set
Dir: Yann Demange
Escr: Charlie Brooker
2008 UK
color, 1.78 : 1
5 epis., 141' terror, suspenso, comedia
***** *
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Naomi Kawase
Shara
2003 Japón
color
100' drama
Sharasojyu
***** ***
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Alastair Siddons
D: Turn it loose
2009 UK
color
96' documental, danza
***** *
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Benson Lee
D: Planet B-Boy
2007 USA
HD, color, 1.78 : 1
95' documental, danza
***** *
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Stuart Townsend
Battle in Seattle
2007 Canadá, Alemania
16mm + 35mm, 35mm, color, 1.85 : 1
99' política, drama
*****
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Joon-ho Bong
Memories of murder
2003 Corea del Sur
35mm, 1.85 : 1
129' suspenso, policial, comedia
Salinui chueok
***** **
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Alex Gibney
D: Gonzo: The life and work of Dr. Hunter S. Thompson
2008 USA
120' biográfica
***** ***
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Rob Bowman
El reinado del fuego
2002 UK, Irlanda, USA
35mm, color, 2.35 : 1
101' ciencia-ficción, suspenso, acción
Reign of Fire
***** *
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Shion Sono
Suicide club
2002 Japón
35mm, color, 1.85 : 1
99' drama, suspenso
Jisatsu sâkuru
***** *
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Gregg Araki
Mysterious skin
2004 USA, Holanda
35mm, color, 1.85 : 1
105' drama
***** **
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Stephen Kijak
D: Scott Walker: 30th century man
2006 USA, UK
95' documental, música, biográfica
***** ***
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viernes, noviembre 04, 2011
jueves, noviembre 03, 2011
jueves, octubre 06, 2011
"El árbol de la vida", una nueva maravilla del cine
Terrence Malick
El árbol de la vida
2011 USA
139' drama, experimental, cine de autor
35mm + 65mm, 1.85 : 1
The tree of life
***** ***
"Hay dos caminos en la vida. El camino de la Naturaleza, y el camino de la Gracia."
Así de 'sencillita' arranca esta grandiosa película, de las más ambiciosas que ha dado el cine, una reflexión de más de dos horas sobre el sentido de la vida, la existencia de Dios y nuestro lugar en el universo. Una reflexión que se impone a partir de la muerte inesperada de un hermano, un hijo.
Quienes se hacen esas preguntas son los integrantes de una familia típica del Estados Unidos central de los años 1950s, ícono del american dream, regida por un padre autoritario y ultra religioso (un gran Brad Pitt), y sostenida por una madre angelical, ¿la Gracia y la Naturaleza, o al revés, o ambos a la vez?
No hay mucha más trama, porque la historia no es lo que más interesa en El árbol de la vida. Lo que más importan son las sensaciones traidas de la memoria lejana, la memoria del mismísimo Malick que perdió a su hermano a muy temprana edad. Así, este director artista nos recuerda que el cine no es meramente contar historias, sino estremecer con sensaciones. En particular, los primeros planos de la familia O'Brien jugando en su jardín me arrancaron las primeras lágrimas. La cámara, el sonido, remitían a vivencias reales que podían ser mías. ¡Eso es auténtico cine! Un arte hecho de sensaciones.
Toda la técnica se concentra en generar la memoria infantil, el permanente punto de vista a la altura de niño, los sonidos fragmentados, discoordinados, los casi diálogos, ¡es una película casi sin diálogos! Claro, porque es una experiencia sensorial e íntima, la de ese niño ahora adulto (Sean Penn) que transita el duelo por su hermano recién fallecido.
Recuerda mucho a la gran El espejo, del maestro Andrei Tarkovski, ese tratamiento caótico de los recuerdos, por momentos onírico, paradójicamente hiperrealista, la fotografía exquisita, la cámara "voladora", viajera, como un espíritu que va al encuentro o detrás de los protagonistas, como nosotros en los sueños y en los recovecos de la mente.
Se ha hablado mucho de los inserts con imágenes astronómicas, reales y recreadas y animadas por el grandísimo Douglas Trumbull (+, web) –el artista que plasmó el pasado y el futuro en 2001: Odisea del espacio y en Blade Runner-, de los dinosaurios vagando por el bosque y el río... ¿los mismos bosque y río donde corretearon los 3 hermanos O'Brien en los opulentos años '50s norteamericanos, los años de la infancia de Malick, donde se adentran la madre y el padre para inquirir a Dios y a llorar por la muerte del hijo? Sólo voy a decir que lo mejor aceptar esas aparentes disgresiones como una visión cosmológica de un cristiano que está cuestionando su fe en Dios ante nosotros y nos confiesa a qué conclusión llegó. Nada menos.
El árbol de la vida
2011 USA
139' drama, experimental, cine de autor
35mm + 65mm, 1.85 : 1
The tree of life
***** ***
"Hay dos caminos en la vida. El camino de la Naturaleza, y el camino de la Gracia."
Así de 'sencillita' arranca esta grandiosa película, de las más ambiciosas que ha dado el cine, una reflexión de más de dos horas sobre el sentido de la vida, la existencia de Dios y nuestro lugar en el universo. Una reflexión que se impone a partir de la muerte inesperada de un hermano, un hijo.
Quienes se hacen esas preguntas son los integrantes de una familia típica del Estados Unidos central de los años 1950s, ícono del american dream, regida por un padre autoritario y ultra religioso (un gran Brad Pitt), y sostenida por una madre angelical, ¿la Gracia y la Naturaleza, o al revés, o ambos a la vez?
No hay mucha más trama, porque la historia no es lo que más interesa en El árbol de la vida. Lo que más importan son las sensaciones traidas de la memoria lejana, la memoria del mismísimo Malick que perdió a su hermano a muy temprana edad. Así, este director artista nos recuerda que el cine no es meramente contar historias, sino estremecer con sensaciones. En particular, los primeros planos de la familia O'Brien jugando en su jardín me arrancaron las primeras lágrimas. La cámara, el sonido, remitían a vivencias reales que podían ser mías. ¡Eso es auténtico cine! Un arte hecho de sensaciones.
Toda la técnica se concentra en generar la memoria infantil, el permanente punto de vista a la altura de niño, los sonidos fragmentados, discoordinados, los casi diálogos, ¡es una película casi sin diálogos! Claro, porque es una experiencia sensorial e íntima, la de ese niño ahora adulto (Sean Penn) que transita el duelo por su hermano recién fallecido.
Recuerda mucho a la gran El espejo, del maestro Andrei Tarkovski, ese tratamiento caótico de los recuerdos, por momentos onírico, paradójicamente hiperrealista, la fotografía exquisita, la cámara "voladora", viajera, como un espíritu que va al encuentro o detrás de los protagonistas, como nosotros en los sueños y en los recovecos de la mente.
Se ha hablado mucho de los inserts con imágenes astronómicas, reales y recreadas y animadas por el grandísimo Douglas Trumbull (+, web) –el artista que plasmó el pasado y el futuro en 2001: Odisea del espacio y en Blade Runner-, de los dinosaurios vagando por el bosque y el río... ¿los mismos bosque y río donde corretearon los 3 hermanos O'Brien en los opulentos años '50s norteamericanos, los años de la infancia de Malick, donde se adentran la madre y el padre para inquirir a Dios y a llorar por la muerte del hijo? Sólo voy a decir que lo mejor aceptar esas aparentes disgresiones como una visión cosmológica de un cristiano que está cuestionando su fe en Dios ante nosotros y nos confiesa a qué conclusión llegó. Nada menos.
lunes, septiembre 26, 2011
"El árbol de la vida", el nuevo film de Terrence Malick
La vida después de Dios
Desde su regreso al cine tras un exilio de tres décadas, Terrence Malick (+) no deja de ahondar en mundos donde la naturaleza y la gracia se encuentran, se reconocen y se hieren. A La delgada línea roja y El nuevo mundo ahora le suma El árbol de la vida, una experiencia hipnótica, ambiciosa y delicada sobre la distancia que hay entre el amor humano y el universo, y ese puente roto que parece ser la fe. Como si fuera poco, para filmar la Creación convenció a Douglas Trumbull (+, web) –el hombre que plasmó el pasado y el futuro en 2001 y en Blade Runner– de que dejara 30 años de retiro.
Sigue en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7355-2011-09-25.html
Big Bang Trumbull
En 1982, no mucho antes de morir, Philip K. Dick (+) vio por televisión algunos segmentos con los efectos especiales de Blade Runner (la adaptación de su novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?) y dijo: “Lo reconocí de inmediato. Era mi propio mundo interior. Lo atraparon a la perfección”. Dick estaba bastante loco para entonces, y su mundo interior era el de un paranoico convencido de que todos estaban atrás de él. Y el hombre que había “atrapado a la perfección” su mundo interior era Douglas Trumbull (+, web) un artista-científico acostumbrado a seguir y convertir en imágenes los sueños y delirios de otros dementes.
El primero de esos dementes, el que inauguró una carrera llena de frustraciones y proyectos inconclusos, fue Stanley Kubrick (+), para quien supervisó los efectos de 2001: odisea del espacio. El último fue Terrence Malick, quien para El árbol de la vida lo obligó a salir de un retiro de casi treinta años.
Sigue en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/subnotas/7355-1505-2011-09-25.html
Por Mariano Kairuz
Otra crítica: La eternidad hecha cine: http://www.blogdecine.com/criticas/el-arbol-de-la-vida-la-eternidad-hecha-cine
Espero dar mi opinión apenas sea estrenada en cine aquí en Buenos Aires.
Desde su regreso al cine tras un exilio de tres décadas, Terrence Malick (+) no deja de ahondar en mundos donde la naturaleza y la gracia se encuentran, se reconocen y se hieren. A La delgada línea roja y El nuevo mundo ahora le suma El árbol de la vida, una experiencia hipnótica, ambiciosa y delicada sobre la distancia que hay entre el amor humano y el universo, y ese puente roto que parece ser la fe. Como si fuera poco, para filmar la Creación convenció a Douglas Trumbull (+, web) –el hombre que plasmó el pasado y el futuro en 2001 y en Blade Runner– de que dejara 30 años de retiro.
Sigue en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7355-2011-09-25.html
Big Bang Trumbull
En 1982, no mucho antes de morir, Philip K. Dick (+) vio por televisión algunos segmentos con los efectos especiales de Blade Runner (la adaptación de su novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?) y dijo: “Lo reconocí de inmediato. Era mi propio mundo interior. Lo atraparon a la perfección”. Dick estaba bastante loco para entonces, y su mundo interior era el de un paranoico convencido de que todos estaban atrás de él. Y el hombre que había “atrapado a la perfección” su mundo interior era Douglas Trumbull (+, web) un artista-científico acostumbrado a seguir y convertir en imágenes los sueños y delirios de otros dementes.
El primero de esos dementes, el que inauguró una carrera llena de frustraciones y proyectos inconclusos, fue Stanley Kubrick (+), para quien supervisó los efectos de 2001: odisea del espacio. El último fue Terrence Malick, quien para El árbol de la vida lo obligó a salir de un retiro de casi treinta años.
Sigue en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/subnotas/7355-1505-2011-09-25.html
Por Mariano Kairuz
Otra crítica: La eternidad hecha cine: http://www.blogdecine.com/criticas/el-arbol-de-la-vida-la-eternidad-hecha-cine
Espero dar mi opinión apenas sea estrenada en cine aquí en Buenos Aires.
martes, septiembre 20, 2011
Cartelera argentina 16-9-2011: recomendaciones
Una joyita descubierta en el BAFICI 2010:
Benjamin Heisenberg
Sin escape
The robber
2010 Austria, Alemania
97' policial, drama, acción
35 mm, Digital Cinema & E-Cinema, color, 2.35 : 1
Der räuber / El ladrón
***** *
El ladrón es la historia -real, lo que poco importa, afortunadamente- de un lobo estepario que no puede parar de correr. Y justamente la historia se pincha en los momentos en que el lobo se detiene.
Pero bien vale verla, porque ese personaje está excelentemente construido e interpretado, y por fortuna no es idéntico a su alter ego real, un maratonista que robó, por hobby, casi 20 bancos en Austria. Y como el cine es un arte visual y sonoro y editor, debo hablar también de lo formal: la mano del cineasta alemánBenjamin Heisenberg tiene muy buen gusto para perseguir y espiar a este solitario, sin estridencias ni excesos estilísticos, con un montaje tan fluido y directo como el protagonista ladrón, pero con una visión firmemente clásica del cine policial, de la cual no se aparta un ápice, mérito o desventaja de una película que pudo dar algo más, me atrevo a afirmar.
................................................................................................................................................................
Apollo 18
Gonzalo López-Gallego
2011, USA, Canadá
86' Terror, suspenso, ciencia-ficción
35mm (esférico), D-Cinema, 1.33 : 1 / 1.85 : 1
***** *
Nos enteramos de por qué nunca más se volvió a pisar la Luna desde la misión Apolo 17 en 1972, y la NASA canceló definitivamente en 1974 las misiones Apolo, de alunizaje tripulado. Una de las tantas preguntas que me hice de niño y luego olvidé investigar.
Nada de decisiones presupuestarias del estado norteamericano para gastar en la Guerra de las Galaxias de Ronald Reagan en vez de explorar el espacio.
Hubo una misión posterior, la Apolo 18, sumergida entre los enigmas más oscuros de la astronáutica. Incluso hay un site que se puede visitar para sumar intriga, citado en los títulos finales: http://lunartruth.org.
El film está enteramente construido por supuesto "found footage" (metraje fílmico encontrado), filmaciones mantenidas en secreto durante las últimas décadas y otras "difundidas por internet en 2011", que revelan lo que "realmente" sucedió en esa misión.
El planteo es idéntico al de la digna Cloverfield, incluso más verosímil. Está mucho mejor justificado el material grabado por cámaras que están "allí mismo", no hay una sola toma proveniente de una cámara "extradiegética", fuera de lo narrado. Un gran mérito, que con algo más de sutileza hubiese convertido a Apollo 18 en una gran película.
La frutillita: lágrimas que brotan cuando uno de los astronautas reproduce con su walkman, allá en la lejanía lunar, el temazo And You and I, de Yes.
................................................................................................................................................................
Rupert Wyatt
El planeta de los simios: (R)Evolución
2011 USA
35mm, D-Cinema, 2.35 : 1
105' ciencia-ficción, drama
Rise of the Planet of the Apes
*****
Vale la pena ver en el cine a César, el Che Guevara de los simios, actuar increíblemente mejor que varios humanos. Esa criatura 3D es memorable, créanme. También se luce el siempre convincente John Lithgow.
Una película fallida, con un guión notablemente achicharrado cuando las cosas se ponen interesantes. Era mucho más interesante, más fluido, el de La conquista del planeta de los simios (1973, J. Lee Thompson), donde, en un futuro cercano los simios son reclutados como esclavos y finalmente se rebelan liderados por "Che" César. Quizás esa historia es demasiado parecida a la rebelión de las máquinas de Animatrix, la película animada indisolublemente ligada a la saga Matrix. En esta remake hay muy poco sustento para la revolución simia, tal vez suceda en una secuela.
................................................................................................................................................................
Hachazos
Andrés Di Tella
2011, Argentina
Documental sobre cineastas experimentales argentinos, centrado en la figura del gran Claudio Caldini.
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¡Y un western argentino!:
Aballay, el hombre sin miedo
Fernando Spiner
2011 Argentina
Western, drama
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Benjamin Heisenberg
Sin escape
The robber
2010 Austria, Alemania
97' policial, drama, acción
35 mm, Digital Cinema & E-Cinema, color, 2.35 : 1
Der räuber / El ladrón
***** *
El ladrón es la historia -real, lo que poco importa, afortunadamente- de un lobo estepario que no puede parar de correr. Y justamente la historia se pincha en los momentos en que el lobo se detiene.
Pero bien vale verla, porque ese personaje está excelentemente construido e interpretado, y por fortuna no es idéntico a su alter ego real, un maratonista que robó, por hobby, casi 20 bancos en Austria. Y como el cine es un arte visual y sonoro y editor, debo hablar también de lo formal: la mano del cineasta alemánBenjamin Heisenberg tiene muy buen gusto para perseguir y espiar a este solitario, sin estridencias ni excesos estilísticos, con un montaje tan fluido y directo como el protagonista ladrón, pero con una visión firmemente clásica del cine policial, de la cual no se aparta un ápice, mérito o desventaja de una película que pudo dar algo más, me atrevo a afirmar.
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Apollo 18
Gonzalo López-Gallego
2011, USA, Canadá
86' Terror, suspenso, ciencia-ficción
35mm (esférico), D-Cinema, 1.33 : 1 / 1.85 : 1
***** *
Nos enteramos de por qué nunca más se volvió a pisar la Luna desde la misión Apolo 17 en 1972, y la NASA canceló definitivamente en 1974 las misiones Apolo, de alunizaje tripulado. Una de las tantas preguntas que me hice de niño y luego olvidé investigar.
Nada de decisiones presupuestarias del estado norteamericano para gastar en la Guerra de las Galaxias de Ronald Reagan en vez de explorar el espacio.
Hubo una misión posterior, la Apolo 18, sumergida entre los enigmas más oscuros de la astronáutica. Incluso hay un site que se puede visitar para sumar intriga, citado en los títulos finales: http://lunartruth.org.
El film está enteramente construido por supuesto "found footage" (metraje fílmico encontrado), filmaciones mantenidas en secreto durante las últimas décadas y otras "difundidas por internet en 2011", que revelan lo que "realmente" sucedió en esa misión.
El planteo es idéntico al de la digna Cloverfield, incluso más verosímil. Está mucho mejor justificado el material grabado por cámaras que están "allí mismo", no hay una sola toma proveniente de una cámara "extradiegética", fuera de lo narrado. Un gran mérito, que con algo más de sutileza hubiese convertido a Apollo 18 en una gran película.
La frutillita: lágrimas que brotan cuando uno de los astronautas reproduce con su walkman, allá en la lejanía lunar, el temazo And You and I, de Yes.
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Rupert Wyatt
El planeta de los simios: (R)Evolución
2011 USA
35mm, D-Cinema, 2.35 : 1
105' ciencia-ficción, drama
Rise of the Planet of the Apes
*****
Vale la pena ver en el cine a César, el Che Guevara de los simios, actuar increíblemente mejor que varios humanos. Esa criatura 3D es memorable, créanme. También se luce el siempre convincente John Lithgow.
Una película fallida, con un guión notablemente achicharrado cuando las cosas se ponen interesantes. Era mucho más interesante, más fluido, el de La conquista del planeta de los simios (1973, J. Lee Thompson), donde, en un futuro cercano los simios son reclutados como esclavos y finalmente se rebelan liderados por "Che" César. Quizás esa historia es demasiado parecida a la rebelión de las máquinas de Animatrix, la película animada indisolublemente ligada a la saga Matrix. En esta remake hay muy poco sustento para la revolución simia, tal vez suceda en una secuela.
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Hachazos
Andrés Di Tella
2011, Argentina
Documental sobre cineastas experimentales argentinos, centrado en la figura del gran Claudio Caldini.
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¡Y un western argentino!:
Aballay, el hombre sin miedo
Fernando Spiner
2011 Argentina
Western, drama
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martes, septiembre 06, 2011
Cine recomendado en cartelera argentina 6-9-2011
Hachazos
Andrés Di Tella
2011, Argentina
Documental sobre cineastas experimentales argentinos, centrado en la figura del gran Claudio Caldini.
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Fernando Spiner
Aballay, el hombre sin miedo
2011, Argentina
Western
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Andrés Di Tella
2011, Argentina
Documental sobre cineastas experimentales argentinos, centrado en la figura del gran Claudio Caldini.
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Fernando Spiner
Aballay, el hombre sin miedo
2011, Argentina
Western
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lunes, abril 25, 2011
Cine recomendado en cartelera argentina 25-4-2011
Actualizo 27-4-2011:
Revolución. El cruce de Los Andes
Leandro Ipiña
2010 Argentina
92' drama, histórica, épica
35mm, color, 1.85:1
***** *
http://revolucionpelicula.com/
Una grata sorpresa del cine argentino.
Ojalá sea el puntapié inicial de un cine de visita crítica a nuestra historia, a las vidas de nuestros héroes, a nuestras luchas de liberación y nuestras guerras.
Lo más destacable de la película es la interpretación del General José de San Martín en el cuerpo de Rodrigo de La Serna (Diarios de motocicleta, serie de TV Okupas) y los climas que su figura genera. Hay un realismo que me recordó mucho a Che: Guerrilla de Steven Soderbergh, hay un héroe humano cuyos momentos de poder están muy bien logrados tanto en la actuación como en lo cinematográfico. Éste para mí es el corazón del film, es lo que no podía fallar de ninguna manera, y no lo hace, sino que al contrario la eleva por sobre su antecesora El Santo de la Espada de Leopoldo Torre Nilson.
No hay afán efectista en las batallas sino una subjetividad comprometida en esa "mierda" que es la guerra. Está muy bien coreografiada, filmada, editada y actuada la escena donde el mismo San Martín actúa como soldado, es uno de los puntos altos del film.
La batalla de Chacabuco fue recreada en un estilo que se agradece más cercano al de La delgada línea roja de Terence Malik que a lo que uno esperaría si fuera pochoclero fan de Corazón valiente. Vemos la guerra desde dos subjetividades, como si Ipiña nos invitase a meternos de lleno en la batalla y no simplemente mirarla desde arriba o desde un punto de vista no-humano.
Me asombraron gratamente las vestimentas, un notable trabajo de adaptación histórica, o al menos parecen muy verosímiles.
Un capítulo aparte es la fotografía. Hay escenas con muy poca luz, luz de velas, que nos remiten a esa época, hasta pensé si Ipiña decidió, como Stanley Kubrick en Barry Lyndon, filmarlas sin luz eléctrica. Lo cierto es que se logra, junto con la selección de las locaciones, los decorados, los paisajes, transportarnos sin fisuras a ese pasado heroico y lleno de oscuridades.
Recomiendo fervorosamente que la vayan a ver en cine. Los Andes, además, aparecen como lo que son, el protagonista inabarcable de escala suprahumana... El plano de San Martín acuclillándose sobre una roca ante la imponente cordillera nocturna, cual cóndor agazapándose esperando su oportunidad para atacar, vale la pena.
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Ajami
Yaron Shani, Scandar Copti
2009 Israel, Palestina, Alemania
120'
35 mm color
policial acción
***** *
Ajami es un barrio humilde de Yafo (Jaffa), la mitad sur mayoritariamente árabe y palestina, de Tel Aviv, ex capital de Israel. Allí, dos directores noveles israelíes, el judío Yaron Shani, y el palestino Scandar Copti hicieron mucho más que las paces para realizar algo bastante más difícil: un largometraje cinematográfico.
Ajami, el film, es intenso, veloz, contundente, y por su hechura nos advierte que estamos ante dos nuevos cineastas a los que habrá que seguir en adelante. Lo lamentable es que toma demasiados tics de producciones anteriores, como la Gomorra de Matteo Garrone (2008), la Ciudad de Dios de Fernando Meirelles y Kátia Lund (2002), y una aspiración peligrosamente cercana a la Babel de Alejandro González Iñárritu (2006).
Como es de esperar, Ajami señala víctimas y victimarios en las 3 culturas predominantes en esa franja de la discordia que es Palestina-Israel, que son la cristiana, la judía y la palestina. Sin embargo, descubrimos que la equidistancia no es tal cuando recordamos el origen de su tragedia, lo que se dice el "disparador del conflicto, del drama": retengan al culpable de encender la primera llama (disparar la primera bala, debemos decir en esa región tan cara a los fierros), señalado en un guión escrito por ambos directores.
También puede verse Ajami como una interesantísima aproximación a los conflictos ya no geopolíticos sino sociales de una ciudad contemporánea situada en una zona de guerra, y con ella concluir que para las miserias del capitalismo reinante no hay guerra que sirva de antídoto. La danza que Yaron Shani y Scandar Copti diseñan entre palestinos trabajadores ilegales, policías judíos enardecidos, drug dealers y padrinos mafiosos, se entremezcla con una historia de amor a lo Romeo y Julieta, y nos deja claro que el gran jefe del mal sigue siendo el fucking dinero.
19-4-2010
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El Cisne Negro
Darren Aronofsky
2010 USA
108' drama
35mm, color, 2.35 : 1
Black swan
***** *
http://www.imdb.com/title/tt0947798/
El mundo del ballet y sus consabidas miserias.
Aunque la historia es completamente predecible, el filme tiene una belleza cinematográfica que obliga a verla en el cine. Imagen, sonido y movimiento acompañan a la bailarina protagonista de manera persecutoria, al modo de El luchador (2008). De hecho, ambas parecen mellizas, aunque la deriva del personaje perdedor de Mickey Rourke resulta más emotiva e intimista.
El gran acierto de Cisne Negro radica en Natalie Portman y el propio director, quien muestra una sensibilidad punzante para recrear mundos tan disímiles como el de los luchadores anabólicos y las bailarinas anoréxicas. Pero en este caso esa cámara persecutora resulta indispensable para seguir a la bailarina, el Cisne Blanco, con un vértigo cercano al que sufre quien baila, uno pensaría. Creo que es el mayor logro del filme.
Presten especial atención a los sonidos, a la respiración de Natalie...
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127 horas
Danny Boyle
2010 USA, UK
94' drama, aventura
35mm, color, 1.85 : 1
127 hours
***** *
http://www.imdb.com/title/tt1542344/
Una historia real simple y terrible.
Es asombroso lo que Boyle hizo con ella en más de 90 minutos. Todos sabemos lo que sucederá, porque los genios de los Oscars no tuvieron mejor idea que revelar el clímax de la película.
eso no le quita mérito y la sensación igual choca.
Paisajes increíbles, música excelente, bella fotografía a lo Boyle (Exterminio, Trainspotting, La playa, ¿Quién quiere ser millonario?), y otra interesante apuesta al cine subjetivo, donde la cámara no es Dios omnisciente, sino compañera del personaje. ¿Una tendencia?
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Revolución. El cruce de Los Andes
Leandro Ipiña
2010 Argentina
92' drama, histórica, épica
35mm, color, 1.85:1
***** *
http://revolucionpelicula.com/
Una grata sorpresa del cine argentino.
Ojalá sea el puntapié inicial de un cine de visita crítica a nuestra historia, a las vidas de nuestros héroes, a nuestras luchas de liberación y nuestras guerras.
Lo más destacable de la película es la interpretación del General José de San Martín en el cuerpo de Rodrigo de La Serna (Diarios de motocicleta, serie de TV Okupas) y los climas que su figura genera. Hay un realismo que me recordó mucho a Che: Guerrilla de Steven Soderbergh, hay un héroe humano cuyos momentos de poder están muy bien logrados tanto en la actuación como en lo cinematográfico. Éste para mí es el corazón del film, es lo que no podía fallar de ninguna manera, y no lo hace, sino que al contrario la eleva por sobre su antecesora El Santo de la Espada de Leopoldo Torre Nilson.
No hay afán efectista en las batallas sino una subjetividad comprometida en esa "mierda" que es la guerra. Está muy bien coreografiada, filmada, editada y actuada la escena donde el mismo San Martín actúa como soldado, es uno de los puntos altos del film.
La batalla de Chacabuco fue recreada en un estilo que se agradece más cercano al de La delgada línea roja de Terence Malik que a lo que uno esperaría si fuera pochoclero fan de Corazón valiente. Vemos la guerra desde dos subjetividades, como si Ipiña nos invitase a meternos de lleno en la batalla y no simplemente mirarla desde arriba o desde un punto de vista no-humano.
Me asombraron gratamente las vestimentas, un notable trabajo de adaptación histórica, o al menos parecen muy verosímiles.
Un capítulo aparte es la fotografía. Hay escenas con muy poca luz, luz de velas, que nos remiten a esa época, hasta pensé si Ipiña decidió, como Stanley Kubrick en Barry Lyndon, filmarlas sin luz eléctrica. Lo cierto es que se logra, junto con la selección de las locaciones, los decorados, los paisajes, transportarnos sin fisuras a ese pasado heroico y lleno de oscuridades.
Recomiendo fervorosamente que la vayan a ver en cine. Los Andes, además, aparecen como lo que son, el protagonista inabarcable de escala suprahumana... El plano de San Martín acuclillándose sobre una roca ante la imponente cordillera nocturna, cual cóndor agazapándose esperando su oportunidad para atacar, vale la pena.
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Ajami
Yaron Shani, Scandar Copti
2009 Israel, Palestina, Alemania
120'
35 mm color
policial acción
***** *
Ajami es un barrio humilde de Yafo (Jaffa), la mitad sur mayoritariamente árabe y palestina, de Tel Aviv, ex capital de Israel. Allí, dos directores noveles israelíes, el judío Yaron Shani, y el palestino Scandar Copti hicieron mucho más que las paces para realizar algo bastante más difícil: un largometraje cinematográfico.
Ajami, el film, es intenso, veloz, contundente, y por su hechura nos advierte que estamos ante dos nuevos cineastas a los que habrá que seguir en adelante. Lo lamentable es que toma demasiados tics de producciones anteriores, como la Gomorra de Matteo Garrone (2008), la Ciudad de Dios de Fernando Meirelles y Kátia Lund (2002), y una aspiración peligrosamente cercana a la Babel de Alejandro González Iñárritu (2006).
Como es de esperar, Ajami señala víctimas y victimarios en las 3 culturas predominantes en esa franja de la discordia que es Palestina-Israel, que son la cristiana, la judía y la palestina. Sin embargo, descubrimos que la equidistancia no es tal cuando recordamos el origen de su tragedia, lo que se dice el "disparador del conflicto, del drama": retengan al culpable de encender la primera llama (disparar la primera bala, debemos decir en esa región tan cara a los fierros), señalado en un guión escrito por ambos directores.
También puede verse Ajami como una interesantísima aproximación a los conflictos ya no geopolíticos sino sociales de una ciudad contemporánea situada en una zona de guerra, y con ella concluir que para las miserias del capitalismo reinante no hay guerra que sirva de antídoto. La danza que Yaron Shani y Scandar Copti diseñan entre palestinos trabajadores ilegales, policías judíos enardecidos, drug dealers y padrinos mafiosos, se entremezcla con una historia de amor a lo Romeo y Julieta, y nos deja claro que el gran jefe del mal sigue siendo el fucking dinero.
19-4-2010
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El Cisne Negro
Darren Aronofsky
2010 USA
108' drama
35mm, color, 2.35 : 1
Black swan
***** *
http://www.imdb.com/title/tt0947798/
El mundo del ballet y sus consabidas miserias.
Aunque la historia es completamente predecible, el filme tiene una belleza cinematográfica que obliga a verla en el cine. Imagen, sonido y movimiento acompañan a la bailarina protagonista de manera persecutoria, al modo de El luchador (2008). De hecho, ambas parecen mellizas, aunque la deriva del personaje perdedor de Mickey Rourke resulta más emotiva e intimista.
El gran acierto de Cisne Negro radica en Natalie Portman y el propio director, quien muestra una sensibilidad punzante para recrear mundos tan disímiles como el de los luchadores anabólicos y las bailarinas anoréxicas. Pero en este caso esa cámara persecutora resulta indispensable para seguir a la bailarina, el Cisne Blanco, con un vértigo cercano al que sufre quien baila, uno pensaría. Creo que es el mayor logro del filme.
Presten especial atención a los sonidos, a la respiración de Natalie...
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127 horas
Danny Boyle
2010 USA, UK
94' drama, aventura
35mm, color, 1.85 : 1
127 hours
***** *
http://www.imdb.com/title/tt1542344/
Una historia real simple y terrible.
Es asombroso lo que Boyle hizo con ella en más de 90 minutos. Todos sabemos lo que sucederá, porque los genios de los Oscars no tuvieron mejor idea que revelar el clímax de la película.
eso no le quita mérito y la sensación igual choca.
Paisajes increíbles, música excelente, bella fotografía a lo Boyle (Exterminio, Trainspotting, La playa, ¿Quién quiere ser millonario?), y otra interesante apuesta al cine subjetivo, donde la cámara no es Dios omnisciente, sino compañera del personaje. ¿Una tendencia?
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domingo, abril 17, 2011
Cosecha BAFICI 2011, V, la cima
Y finalmente llegué a la cumbre de la 13ª edición del BAFICI, acompañado por 13 asesinos...
Takashi Miike
13 Assassins
(13 Asesinos)
2010 Japón, UK
121' (BAFICI) / 126' (longitud internacional) / 141' acción, aventura, historia, drama
35mm / DCP, color, 2.35:1
Jûsan-nin no shikaku / Thirteen Assassins
***** ***
http://www.13assassins.com/
¿Qué estilo y qué "género" cinematográficos no exploró Takashi Miike?
Recordemos Audition, Ichi The Killer, las Dead or Alive, A Big Bang love: Juvenilla, la delirante y paupérrima Andromedia, podemos confiar en que Takashi siempre nos sorprenderá.
Aquí entra de lleno al género samurai, con una fineza y precisión admirables. Con un planteo clásico del cine de acción marcial japonés, llamativamente similar a la de varios westerns norteamericanos, Miike realiza una película cargada en detalles y exquisitas actuaciones.
Hay que matar al tirano sádico y un experimentado y maduro samurai es contratado para hacerlo. Tan sólo la escena en la que éste acepta el encargo vale por toda la película. Miike describe magistralmente la psicología de esos mercenarios invencibles con simples trazos, y avanza directo al objetivo con una batalla final de magnitudes y desarrollo pocas veces visto en el cine.
Vale por supuesto la referencia inevitable a Los siete samurais (1954) del enorme Akira Kurosawa, y del poco conocido Harakiri (1962), de Masaki Kobayashi, donde la batalla final entre el protagonista y decenas de soldados dura más de 15 minutos... Ring ring para Quentin Tarantino: sabemos de dónde tomaste la batalla de BIIIIIII Kiddo contra los Locos 88 de tu magnífica Kill Bill. Vol. 1.
Aquí las referencia:
Masaki Kobayashi
Harakiri
1962 Japón
133' drama, acción
35mm, byn, 2.35:1
Seppuku
***** ***
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Jerzy Skolimowski
Essential killing
(Asesinato esencial)
2010 Polonia, Noruega, Irlanda, Hungría
83' bélica, suspenso
35mm / DCP, color, 2.35;1
***** ***
http://www.essentialkilling.com/
Este puede parecer sólo un film de "corre como loco por tu vida".
Pero también es un film donde podemos ver al hombre reducido a un estado prehistórico por la maquinaria bélica, la tortura y los militares yanquis y sus siervos aliados. Es que Vincent Gallo, el hombre, podría ser cualquiera de nosotros en la lógica del Nuevo Orden Mundial. Ese protagonista anónimo, antihéroe del film, ¿es talibán, tenía familia y se la mató la invasión yanqui en Afganistán? Como lo presenta Skolimowski, es sólo un hombre que perdió todo, que huye del imperio, de sus mercenarios, de sus helicópteros, de sus perros; que es torturado por el imperio, que es interrogado por el imperio ("¡En inglés!", le exige el gorila oficial).
Magnífica actuación de Gallo, y no diré más, salvo que es un film de pocas palabras, cine puro.
Impresionante fotografía, cámara precisa para acompañar y meterse en la mente del fugitivo.
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Kim Sun
Self referential traverse: Zeitgeist and engagement
(Cruce autorreferencial: Zeitgeist y compromiso)
2011 Corea del Sur
73' experimental, política, comedia, stopmotion, animación
Digibeta, color
Jagadangchak: Shidaejungshinkwa Hyunsilchamyeo
***** **
Deformidad absoluta, pesadilla enfermiza, ácido sulfúrico sobre la política coreana, una suerte de Capusotto oriental extremado, corrosivo y delirante, con debut protagónico del... muñeco Podori, en el rol de policía coreano con madre fanática religiosa y exigente, y con padre ausente, traumado por haber sido pateado en una manifestación popular, invadido por ratas comunistas, obsesionado por construirse un par de piernas y de paso algo más, enamorado de una vecinita humana... un cóctel que estalla más allá de nuestra imaginación, como suele suceder en la fructífera imaginación coreana, bienvenida sea.
¿Por qué la elegí? Porque su director Kim Sun realizó Geo-Lobotomy (2005), junto a su mellizo Kim Gok, una de las películas más extrañas que vi. Aquí la referencia:
Kim Gok, Kim Sun
Geo-Lobotomy
2005 Corea del Sur
100' ciencia-ficción, comedia, terror, suspenso
Noejeolgaesul
***** *
sábado, abril 16, 2011
Cosecha BAFICI 2011, IV
Thomas Cappelen Malling
Norwegian Ninja
(Ninja Noruego)
2010 Noruega
77' comedia, acción, política
35mm, color, 2.35:1
Kommandør Treholt & ninjatroppen
***** *
Delirante parodia de la Guerra Fría en clave de ¡humor noruego!
Un selecto grupo secreto de ninjas están encargados de proteger a Noruega del comunismo soviético, bajo el mando del mismísimo rey. Luego de inspeccionar decenas de fiordos descubren que los submarinos soviéticos no existen, y peor, que otra organización secreta llamada Stay Behind produce atentados terroristas para achacárselos a los rusos y así mantener atemorizadas y dominadas a las "masas ignorantes", y dirigir su voto hacia las fuerzas conservadoras pro-yanquis. ¿Suena conocido?
Pues, no es coincidencia que el jefe de los ninjas noruegos se llame Arne Treholt, igual que un político y diplomático noruego acusado de alta traición en 1984 por supuestamente hacer espionaje en favor de la Unión Soviética.
Tampoco resulta coincidencia que Stay-Behind sea una operación permanente de la OTAN y la CIA real, creada básicamente para prevenir un avance soviético sobre Europa Occidental, pero que luego de la caída del Muro de Berlín en 1989 siguió actuando generando atentados terroristas para evitar que partidos de izquierda o anti-yanquis llegasen al poder, como el caso del Partido Comunista Italiano en 1990. Algunos links sobre estos operativos de injerencia imperialista en Europa (¡y en Venezuela!) son éstos:
http://www.voltairenet.org/article120005.html
http://www.soberania.org/Articulos/articulo_015.htm
Así que, mucha risa, mucha parodia, pero Mailing nos la manda a guardar afirmando que "Sí, la película está basada en hechos reales, sólo que le agregamos unos ninjas"... El humor noruego se presenta.
¡Ah, y prepárense a ver efectos especiales y navecitas al estilo Capitán Escarlata o Team America: World Police!
Norwegian Ninja
(Ninja Noruego)
2010 Noruega
77' comedia, acción, política
35mm, color, 2.35:1
Kommandør Treholt & ninjatroppen
***** *
Delirante parodia de la Guerra Fría en clave de ¡humor noruego!
Un selecto grupo secreto de ninjas están encargados de proteger a Noruega del comunismo soviético, bajo el mando del mismísimo rey. Luego de inspeccionar decenas de fiordos descubren que los submarinos soviéticos no existen, y peor, que otra organización secreta llamada Stay Behind produce atentados terroristas para achacárselos a los rusos y así mantener atemorizadas y dominadas a las "masas ignorantes", y dirigir su voto hacia las fuerzas conservadoras pro-yanquis. ¿Suena conocido?
Pues, no es coincidencia que el jefe de los ninjas noruegos se llame Arne Treholt, igual que un político y diplomático noruego acusado de alta traición en 1984 por supuestamente hacer espionaje en favor de la Unión Soviética.
Tampoco resulta coincidencia que Stay-Behind sea una operación permanente de la OTAN y la CIA real, creada básicamente para prevenir un avance soviético sobre Europa Occidental, pero que luego de la caída del Muro de Berlín en 1989 siguió actuando generando atentados terroristas para evitar que partidos de izquierda o anti-yanquis llegasen al poder, como el caso del Partido Comunista Italiano en 1990. Algunos links sobre estos operativos de injerencia imperialista en Europa (¡y en Venezuela!) son éstos:
http://www.voltairenet.org/article120005.html
http://www.soberania.org/Articulos/articulo_015.htm
Así que, mucha risa, mucha parodia, pero Mailing nos la manda a guardar afirmando que "Sí, la película está basada en hechos reales, sólo que le agregamos unos ninjas"... El humor noruego se presenta.
¡Ah, y prepárense a ver efectos especiales y navecitas al estilo Capitán Escarlata o Team America: World Police!
viernes, abril 15, 2011
Cosecha BAFICI 2011, III
Thomas Imbach
Day is done
(El día terminó)
2011 Suiza
111' cine de ensayo, experimental, intimista (de ningún modo es un "documental" como hoy afirma IMDB)
35mm, color, 2.35:1
***** ***
http://www.bachim-film.ch/bachimfilm/index.html
La cámara mira al exterior desde una ventana, su dueño cambia el ángulo y sigue filmando, el paisaje cambia, pasa el día, pasa la noche, pasan los días, las nubes, y como fondo, se oyen los mensajes que dejan las personas en el contestador... de Thomas, el director, el que filma. La trama es la vida misma, y saber luego que este proceso llevó 17 años de la vida de Imbach conmueve más aún. Suceden las tormentas, la nieve, las lluvias, los soles, los humos de la fábrica, los trabajadores de enfrente, el hijo por nacer, las amantes, la madre, el padre, la muerte del padre, el hijo que crece... la chica del correo, ¿una posible historia de amor?... Con imágenes de una belleza inmensa, una belleza mixta, urbana y natural, la que se puede ver desde tu ventana al mundo, Imbach construye un film original, una especie de Koyaanisqatsi íntimo. Tienta conectar los mensajes con el paisaje, y le damos sentido al todo, a la vida del cineasta.
Gran acierto el haberla filmado en 35mm y en 2.35:1, imperdible proyección en el cine.
.................................................................................................................................................................
David O'Reilly
C: The External World
2011 Alemania, Irlanda
17' animación
HD, color
***** ***
Pero así es David O'Reilly, como podemos ver a continuación:
..................................................................................................................................
David O'Reilly
C: Please say something
2009 Alemania, Irlanda
10' animación
HD, color
***** **
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David O'Reilly
C: ?????
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** **
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David O'Reilly
C: RGB XYZ
2008 Alemania, Irlanda
13' animación
HD, color
***** *
David O'Reilly
C: Wofl 2106
2006 Alemania, Irlanda
4' animación
HD, color
***** *
David O'Reilly
C: When you're smiling...
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** *
..................................................................................................................................................................
David O'Reilly
C: Black Lake
2010 Alemania, Irlanda
3' animación
HD, color
***** *
Jean-Luc Godard
Détective
(Detective)
1985 Francia, Suiza
95' comedia godardiana
35mm, color, 1.33:1
***** *
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Jean-Luc Godard
Yo te saludo, María
1985 Francia, Suiza, UK
72' drama
35mm, color, 1.33:1
Je vous salue, Marie / Hail Mary
***** *
Anne-Marie Miéville
El libro de María
1984 Francia, Suiza
27' drama
35mm, color, 1.33:1
Le livre de Marie / The Book of Mary
***** *
Recuerdo cuando allá por 1985 hubo tremendo revuelo por el estreno de Yo te saludo, María, generado por la iglesia católica y los componentes más reaccionarios de la sociedad porteña. Por fin pude verla en el BAFICI, y comprobé lo que la reseña del festival señala: se trata de la manera en que un reconocido intelectual de izquierda como Godard interpreta el mito de la Virgen María y nacimiento del Niño Jesús.
¿Cómo sería hoy la eventual aparición de un niño Dios en el vientre de una virgen adolescente?, parece preguntarse el director, y logra un film con la marca indeleble de su poética inevitablemente cruzada por la vida urbana, sus ruidos y neones, sus angustias y rutinas, casi 2.000 años después de sucedido el hecho religioso y sin hacer referencia a él. Pero al mismo tiempo nos muestra cómo sería ante nuestros ojos si las relaciones amorosas sexuales entre jóvenes quinceañeras y hombres adultos fueran lo más natural, así como lo eran en la Judea del año cero de la cristiandad.
Una exploración ¿ucrónica? muy interesante, que se potencia con el corto de su colaboradora y pareja Anne-Marie Miéville, una clara precuela, en la que brilla la niña debutante Rebecca Hampton como la Marie que supuestamente pocos años después recibiría en su vientre virgen al hijo de "Dios".
Day is done
(El día terminó)
2011 Suiza
111' cine de ensayo, experimental, intimista (de ningún modo es un "documental" como hoy afirma IMDB)
35mm, color, 2.35:1
***** ***
http://www.bachim-film.ch/bachimfilm/index.html
La cámara mira al exterior desde una ventana, su dueño cambia el ángulo y sigue filmando, el paisaje cambia, pasa el día, pasa la noche, pasan los días, las nubes, y como fondo, se oyen los mensajes que dejan las personas en el contestador... de Thomas, el director, el que filma. La trama es la vida misma, y saber luego que este proceso llevó 17 años de la vida de Imbach conmueve más aún. Suceden las tormentas, la nieve, las lluvias, los soles, los humos de la fábrica, los trabajadores de enfrente, el hijo por nacer, las amantes, la madre, el padre, la muerte del padre, el hijo que crece... la chica del correo, ¿una posible historia de amor?... Con imágenes de una belleza inmensa, una belleza mixta, urbana y natural, la que se puede ver desde tu ventana al mundo, Imbach construye un film original, una especie de Koyaanisqatsi íntimo. Tienta conectar los mensajes con el paisaje, y le damos sentido al todo, a la vida del cineasta.
Gran acierto el haberla filmado en 35mm y en 2.35:1, imperdible proyección en el cine.
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David O'Reilly
C: The External World
2011 Alemania, Irlanda
17' animación
HD, color
***** ***
The External World TRAILER from David OReilly on Vimeo.
Un delirio absoluto, un humor corrosivo e imparable... ¡quiero máááássss!Pero así es David O'Reilly, como podemos ver a continuación:
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David O'Reilly
C: Please say something
2009 Alemania, Irlanda
10' animación
HD, color
***** **
おねがい なにかいって [日本語版] from David OReilly on Vimeo.
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David O'Reilly
C: ?????
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** **
????? from David OReilly on Vimeo.
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David O'Reilly
C: RGB XYZ
2008 Alemania, Irlanda
13' animación
HD, color
***** *
RGB XYZ - Part 1 from David OReilly on Vimeo.
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David O'Reilly
C: Octocat adventures
2008 Alemania, Irlanda
5' animación
HD, color
***** *
Octocat Adventures (HD) from David OReilly on Vimeo.
.............................................................................................................................................................David O'Reilly
C: Wofl 2106
2006 Alemania, Irlanda
4' animación
HD, color
***** *
WOFL 2106 (HD) from David OReilly on Vimeo.
..................................................................................................................................................................David O'Reilly
C: When you're smiling...
2009 Alemania, Irlanda
1' animación
HD, color
***** *
When You're Smiling... from David OReilly on Vimeo.
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David O'Reilly
C: Black Lake
2010 Alemania, Irlanda
3' animación
HD, color
***** *
Black Lake from David OReilly on Vimeo.
..................................................................................................................................................................Jean-Luc Godard
Détective
(Detective)
1985 Francia, Suiza
95' comedia godardiana
35mm, color, 1.33:1
***** *
................................................................................................................................................................
Jean-Luc Godard
Yo te saludo, María
1985 Francia, Suiza, UK
72' drama
35mm, color, 1.33:1
Je vous salue, Marie / Hail Mary
***** *
Anne-Marie Miéville
El libro de María
1984 Francia, Suiza
27' drama
35mm, color, 1.33:1
Le livre de Marie / The Book of Mary
***** *
Recuerdo cuando allá por 1985 hubo tremendo revuelo por el estreno de Yo te saludo, María, generado por la iglesia católica y los componentes más reaccionarios de la sociedad porteña. Por fin pude verla en el BAFICI, y comprobé lo que la reseña del festival señala: se trata de la manera en que un reconocido intelectual de izquierda como Godard interpreta el mito de la Virgen María y nacimiento del Niño Jesús.
¿Cómo sería hoy la eventual aparición de un niño Dios en el vientre de una virgen adolescente?, parece preguntarse el director, y logra un film con la marca indeleble de su poética inevitablemente cruzada por la vida urbana, sus ruidos y neones, sus angustias y rutinas, casi 2.000 años después de sucedido el hecho religioso y sin hacer referencia a él. Pero al mismo tiempo nos muestra cómo sería ante nuestros ojos si las relaciones amorosas sexuales entre jóvenes quinceañeras y hombres adultos fueran lo más natural, así como lo eran en la Judea del año cero de la cristiandad.
Una exploración ¿ucrónica? muy interesante, que se potencia con el corto de su colaboradora y pareja Anne-Marie Miéville, una clara precuela, en la que brilla la niña debutante Rebecca Hampton como la Marie que supuestamente pocos años después recibiría en su vientre virgen al hijo de "Dios".
miércoles, abril 13, 2011
Sion Sono, nueva joya del cine japonés
Ayer vi ¡¡¡la mejor película del BAFICI 2011, por fin, y por ahora!!!
Se trata de Cold fish, del japonés Sion Sono, la que recomiendo fervientemente.
¿Cómo tuve semejente acierto?
Leyendo el catálogo del BAFICI, donde descubrí que Sion Sono es el máximo responsable de la disparatada, divergente, demente, inabarcable Love exposure, vista en el BAFICI 2009. También dirigió Suicide Club (2001), que hace años pasan por ISAT, de vuelo un poco más rasante y mayor renombre.
Presento aquí las dos obras magnas de Sion (Shion) Sono que he conocido:
Sion Sono (Shion Sono)
Cold fish
(Pescado frío)
2010 Japón
150' drama, suspenso
Tsumetai nettaigyo
***** ***
Otra vez, Sono comienza con el drama de una familia disfuncional para iniciar una espiral imparable cargada de tensión, con personajes perfectamente diseñados e interpretados magistralmente.
Tal como Takashi Miike lo demuestra, hay cineastas japoneses en permanente cambio. En esta ocasión, Sono elige una narrativa mucho más directa y seca que en su alucinante Love exposure. Veía Cold fish ayer y no podía dejar de remitirla al cinismo de Gaspar Noé de Solo contra todos e Irreversible, no por su estética sino por una narración a velocidad de crucero, constante y alta. También imaginaba que Tarantino se sentiría cómodo charlando algún proyecto conjunto con este director nacido en 1961 y con 19 films en su carrera, con el que comparten evidentemente una visión bastante similar sobre el bien y el mal, y la ironía con la que se los puede corroer, mezclar y dar de nuevo.
Otra muestra más de un cine japonés libre, extremo y vivaz.
Me asombró el contraste con la Eros + Massacre, considerada obra cumbre de
Yoshishige Yoshida, de 1969, y que pude ver anteayer dentro del mismo BAFICI. Son como las antípodas de un cine que hoy está mucho más desatado... ¿gracias al emperador?
Mientras la peli de Yoshida es un largo devenir de planos bellísimos muy al estilo Antonioni (que se agradecen inmensamente), se estanca en una dramaturgia demasiado grandilocuente, reiterativa, hasta pueril, que se comprende en parte por una adscripción fiel a la censura de su tiempo. ¿Cómo se concibe que un film que hable del eros apenas tenga unas escenas pocas eróticas bastante mojigatas?
Sion Sono responde al mundo actual, con un film ciudado fotográficamente pero sin una estética personal marcada, y con una libertad expresiva y una vorágine dramática que se ahorra las grandes reflexiones y las demoras contemplativas, con una ironía y un cinismo corrosivos que atacan la matriz de la sociedad impiadosamente: la familia. Y nos deja, tal vez, una posible moraleja contundente: no es tan bueno ser un pescado frío.
El cine japonés debió esperar a los 70s para que las pulsiones más viscerales surjan con menos acartonamiento en las pantallas, desde entonces nos ha sorprendido con una libertad expresiva y revulsiva mucho mayor que la de nuestro imperio democrático hollywoodense.
...................................................................................................................................................................
Sion Sono (Shion Sono)
Love exposure
2008 Japón
237' drama, comedia, acción, fantasía
HD, color, 1.78 : 1
Ai no mukidashi
***** **
Agradezco que sigan existiendo cineastas que van por todo.
Sion Sono parte de un melodrama familiar para desembocar en una vorágine de acción con foco en una supeheroína "real" japonesa y su padre convertido en fanático cristiano cruzado contra el pecado, mezclando bandas de adolescentes que disparan bajo las faldas de las colegialas con sus cámaras digitales, guiados por un viejo degenerado, romance adolescente... 4 horas que pasan a la velocidad de la lluz, de un cine nuevo, libre, casi sin límites, desbordante, con un humor corrosivo y una creatividad totalmente delirante.
Vaya esta crónica de alguien que escribe mejor que yo: http://paginasdeldiariodesatan.blogspot.com/2009/04/bafici-2009-love-exposure-de-sono-sion.html
Se trata de Cold fish, del japonés Sion Sono, la que recomiendo fervientemente.
¿Cómo tuve semejente acierto?
Leyendo el catálogo del BAFICI, donde descubrí que Sion Sono es el máximo responsable de la disparatada, divergente, demente, inabarcable Love exposure, vista en el BAFICI 2009. También dirigió Suicide Club (2001), que hace años pasan por ISAT, de vuelo un poco más rasante y mayor renombre.
Presento aquí las dos obras magnas de Sion (Shion) Sono que he conocido:
Sion Sono (Shion Sono)
Cold fish
(Pescado frío)
2010 Japón
150' drama, suspenso
Tsumetai nettaigyo
***** ***
Otra vez, Sono comienza con el drama de una familia disfuncional para iniciar una espiral imparable cargada de tensión, con personajes perfectamente diseñados e interpretados magistralmente.
Tal como Takashi Miike lo demuestra, hay cineastas japoneses en permanente cambio. En esta ocasión, Sono elige una narrativa mucho más directa y seca que en su alucinante Love exposure. Veía Cold fish ayer y no podía dejar de remitirla al cinismo de Gaspar Noé de Solo contra todos e Irreversible, no por su estética sino por una narración a velocidad de crucero, constante y alta. También imaginaba que Tarantino se sentiría cómodo charlando algún proyecto conjunto con este director nacido en 1961 y con 19 films en su carrera, con el que comparten evidentemente una visión bastante similar sobre el bien y el mal, y la ironía con la que se los puede corroer, mezclar y dar de nuevo.
Otra muestra más de un cine japonés libre, extremo y vivaz.
Me asombró el contraste con la Eros + Massacre, considerada obra cumbre de
Yoshishige Yoshida, de 1969, y que pude ver anteayer dentro del mismo BAFICI. Son como las antípodas de un cine que hoy está mucho más desatado... ¿gracias al emperador?
Mientras la peli de Yoshida es un largo devenir de planos bellísimos muy al estilo Antonioni (que se agradecen inmensamente), se estanca en una dramaturgia demasiado grandilocuente, reiterativa, hasta pueril, que se comprende en parte por una adscripción fiel a la censura de su tiempo. ¿Cómo se concibe que un film que hable del eros apenas tenga unas escenas pocas eróticas bastante mojigatas?
Sion Sono responde al mundo actual, con un film ciudado fotográficamente pero sin una estética personal marcada, y con una libertad expresiva y una vorágine dramática que se ahorra las grandes reflexiones y las demoras contemplativas, con una ironía y un cinismo corrosivos que atacan la matriz de la sociedad impiadosamente: la familia. Y nos deja, tal vez, una posible moraleja contundente: no es tan bueno ser un pescado frío.
El cine japonés debió esperar a los 70s para que las pulsiones más viscerales surjan con menos acartonamiento en las pantallas, desde entonces nos ha sorprendido con una libertad expresiva y revulsiva mucho mayor que la de nuestro imperio democrático hollywoodense.
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Sion Sono (Shion Sono)
Love exposure
2008 Japón
237' drama, comedia, acción, fantasía
HD, color, 1.78 : 1
Ai no mukidashi
***** **
Agradezco que sigan existiendo cineastas que van por todo.
Sion Sono parte de un melodrama familiar para desembocar en una vorágine de acción con foco en una supeheroína "real" japonesa y su padre convertido en fanático cristiano cruzado contra el pecado, mezclando bandas de adolescentes que disparan bajo las faldas de las colegialas con sus cámaras digitales, guiados por un viejo degenerado, romance adolescente... 4 horas que pasan a la velocidad de la lluz, de un cine nuevo, libre, casi sin límites, desbordante, con un humor corrosivo y una creatividad totalmente delirante.
Vaya esta crónica de alguien que escribe mejor que yo: http://paginasdeldiariodesatan.blogspot.com/2009/04/bafici-2009-love-exposure-de-sono-sion.html
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